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Foto di paesaggi. 8 suggerimenti per migliorare

29 Luglio 2019 by Alessio Furlan Leave a Comment

La foto di paesaggi affascina non solo i fotografi professionisti, ma tutti gli appassionati. Anche quelli alle prime armi con le foto digitali, che si lasciano meravigliare dalla natura e vorrebbero riprodurre nei propri scatti almeno parte di quelle bellezze.

Al contrario di quanto potresti pensare, ti voglio subito dire che questo tipo di fotografia non è affatto facile da realizzare. Soprattutto se il tuo obiettivo non è semplicemente quello di immortalare il paesaggio che hai di fronte, ma vuoi invece ottenere una foto che sappia meravigliare chi la guarda.

Tanti sono i dettagli ai quali occorre prestare attenzione. Dall’impostazione del diaframma per la profondità di campo, alla regolazione del giusto valore ISO per la riduzione al massimo del rumore digitale.

Naturalmente, ogni tipo di paesaggio richiede impostazioni specifiche della fotocamera per poter essere immortalato con uno scatto che renda davvero giustizia alla sua bellezza.

In questa breve guida ti indicherò proprio quali sono gli step da seguire per realizzare in modo corretto una fotografia di paesaggio.

Imparerai dunque passo passo come realizzare foto eccezionali con il minimo sforzo, utilizzando la tecnica e naturalmente il tuo istinto di bravo fotografo.

Ecco dunque 8 passi da tenere a mente per impostare in modo corretto la tua fotocamera digitale e ottenere foto di paesaggi pressoché perfette.

NR. 1# SCEGLI IL PAESAGGIO IDEALE PER LA TUA FOTOGRAFIA

Se ti stai chiedendo come impostare la macchina fotografica per la realizzazione di una foto di paesaggio, probabilmente hai già in mente una location meravigliosa dove andare a realizzare scatti mozzafiato.

In ogni caso, voglio comunque spiegarti che anche la scelta del paesaggio è molto importante ai fini della corretta riuscita dello scatto fotografico.

Non tutti i luoghi infatti si prestano ad essere immortalati o comunque devono essere studiati preventivamente dal fotografo.

Sarai tu dunque a dover cercare di capire quale possa essere la giusta prospettiva, quali le condizioni di luce più adeguate e così via.

Una volta determinato tutto questo, potrai passare direttamente al secondo step e iniziare a definire la composizione della tua immagine.

NR. 2# L’IMPORTANZA DELLA COMPOSIZIONE NELLE FOTO DI PAESAGGI

La determinazione della composizione della fotografia che stai per scattare è uno degli step più importanti quando il soggetto che hai di fronte è un paesaggio.

Il rischio, trattandosi di un soggetto statico, è quello di cadere nella banalità. Se riesci a studiare al meglio la composizione, invece, puoi dare un valore aggiunto al tuo scatto e ottenere buoni risultati.

La composizione è strettamente legata alla cosiddetta regola dei terzi, nonché alla definizione di linee e prospettive a cui dare risalto nell’immagine che stai andando a realizzare.

Immagina che la porzione di paesaggio che stai inquadrando con la tua fotocamera possa essere suddivisa, con un’ideale griglia in nove quadrati. A questo punto rivaluta la tua fotografia facendo in modo di collocare il soggetto principale in corrispondenza dell’intersezione di due di questi quadrati.

Ciò ti aiuterà ad attirare l’attenzione di chi guarda direttamente su quel soggetto, dando un senso immediato alla tua fotografia.

Quando hai invece a che fare con le linee, che possono essere la linea dell’orizzonte, una strada, una fila di alberi, ad esempio, disponi già di un elemento interessante per la composizione della tua foto.

Utilizzale per indirizzare l’attenzione di chi guarda verso il tuo soggetto principale, oppure per dare un senso di maggiore profondità al tuo scatto.

L’andamento delle linee viene normalmente seguito dallo sguardo e focalizza l’attenzione, mettendo in secondo piano tutto il resto.

Non dimenticare in ogni caso che la composizione non è che uno strumento che ti aiuta a valorizzare il vero soggetto della tua immagine.

Parlando di paesaggi, ti posso suggerire ad esempio di non lasciarti sfuggire le linee ondulate di un territorio collinare, oppure la linea del cielo, che puoi utilizzare come strumento per distinguere le diverse parti della tua fotografia.

Nei paesaggi di montagna, infine, le linee più ricorrenti sono quelle diagonali, che normalmente conferiscono un senso di dinamismo a quanto viene immortalato.

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NR. 3# IL VALORE ISO E LA RIDUZIONE DEL RUMORE

L’impostazione del valore ISO è un altro step dal quale non si può prescindere per una regolazione corretta della fotocamera quando si lavora su un paesaggio. Tieni presente che più è alto il valore ISO e più le immagini rischiano di essere sgranate.

L’ISO, come già saprai, indica la sensibilità della fotocamera alla luce e per questo la sua regolazione è fondamentale in ogni circostanza.

Questo discorso vale in primo luogo quando si scatta una foto di paesaggi, dunque all’aperto, ma in condizioni di luminosità che in alcuni casi può essere decisamente ridotta.

Alzare l’ISO significa dunque aumentare la sensibilità alla luce. Il problema è che al contempo si rischia di aumentare anche il rumore delle immagini, che potrebbero apparire eccessivamente sgranate.

Per ottenere una buona foto di paesaggi ti conviene impostare un valore ISO di 100 o 200 al massimo e in questo modo eviterai il presentarsi di un eccessivo rumore nell’immagine finale.

Tuttavia ormai le moderne fotocamere FullFrame sono in grado di lavorare ottimamente anche ad ISO elevatissimi, come 800 o 1600.

NR. 4# LA RESA DELLA PROFONDITÀ DI CAMPO E L’APERTURA DEL DIAFRAMMA

Insieme alla regolazione dell’ISO dovrai preoccuparti anche di stabilire i valori di apertura del diaframma, a cui è legata la profondità di campo che potrai ottenere.

Per questo ti consiglio, quando ti occupi di fotografia di paesaggio, di optare per un’apertura tra f/8 e f/11, che sono i valori consigliati per questo genere di fotografia.

Tieni presente infatti che la profondità di campo aumenta alla chiusura del diaframma. L’eccessiva chiusura, al contempo, rischierebbe però di far perdere nitidezza all’immagine, che potrebbe apparire sfocata (difetto detto diffrazione).

La diffrazione tuttavia non è un difetto che compare immediatamente, ma si presenta in modo progressivo e dipende molto anche dal tipo di ottica e focale usata.

Non fossilizzarti quindi troppo su chi ti mette in guardia relativamente a questo “difetto”. Se per un un qualche motivo “sei costretto/a” ad impostare f/16 o f/22 non devi poi piangerci troppo sopra.

NR. 5# EVITA LE FOTO MOSSE CON L’USO DI UN TREPPIEDE

Quando si fotografa un paesaggio di giorno, in condizioni di luce ottimali, lo scatto può essere effettuato senza problemi a mano libera.

La situazione si complica, invece, quando la luce è scarsa e in fase di scatto il diaframma della fotocamera resta aperto a lungo.

Il rischio che la mano del fotografo non risulti sufficientemente stabile diventa in tal caso abbastanza plausibile.

Ecco perché, per evitare vibrazioni della fotocamera, è opportuno munirsi di un treppiede.

Una volta ancorata su di esso, a patto ovviamente che quest’ultimo sia sufficientemente robusto, la macchina fotografica risulterà stabile e potrai procedere con lo scatto in tutta tranquillità.

Naturalmente dovrai perdere un po’ di tempo nel posizionare il treppiede in modo tale che risulti non solo stabile ma anche livellato con la linea dell’orizzonte.

Conviene un treppiede economico?

Se stai pensando di poter risparmiare e di ovviare all’acquisto del treppiede appoggiando la tua fotocamera quando necessario su di un muro o qualsiasi altro supporto, ti voglio far notare che non solo ciò sarebbe poco professionale. Ma ti precluderesti la possibilità di inquadrare liberamente la tua immagine, restando ancorato alla posizione dell’oggetto che stai utilizzando come appoggio per la tua macchina.

Anzi, ti consiglio addirittura, per una maggiore stabilità, non solo di prendere un buon treppiede, ma anche di fermarlo ulteriormente appendendo allo stesso il tuo zaino, in modo tale che esso non possa destabilizzarsi per nessun motivo.

L’ultima cosa da fare sarà infine impostare lo scatto automatico della fotocamera dopo tot secondi.

Sembra un particolare di poco conto, ma anche questo dettaglio è fondamentale per assicurarsi da eventuali vibrazioni che comprometterebbero irreparabilmente la qualità della foto.

NR. 6# CALCOLA LA DISTANZA IPERFOCALE

Mai sentito parlare della distanza iperfocale?

Ebbene, si tratta della distanza minima alla quale mettere a fuoco per fare in modo che da lì in poi, fino all’infinito, tutti gli oggetti, persino quelli più lontani, risultino nitidi.

La distanza iperfocale deve essere tuttavia calcolata.

Oggi come oggi si possono usare facilmente ed ovunque tu ti trova delle apposite applicazioni che possono essere scaricate sul proprio smartphone.

Queste ti consentono in pochi secondi di stabilire in modo molto preciso la distanza iperfocale per le foto di paesaggio in base alla focale e diaframma che stai usando.

Naturalmente questo comporta che si dovrebbe avere sempre con sé il telefono cellulare nel momento in cui si scatta.

Esiste però una tecnica molto più rapida e il più delle volte efficace.

Ho detto prima che quando scatti devi immaginare che vi sia un’ipotetica griglia a suddividere ciò che vedi nel mirino della tua macchina giusto?.

La griglia è composta da tre righe verticali e tre orizzontali.

Ebbene, per regolarti in merito alla distanza iperfocale, prendi come punto di riferimento la prima riga orizzontale dal basso e inquadra/metti a fuoco un soggetto che ricada il più possibile vicino ad essa.

In pratica, in questo modo, stai facendo cadere il soggetto indicativamente sul primo “terzo” del fotogramma stesso. Se hai seguito alla lettera quanto indicato è probabile che mettendo a fuoco in quel punto tu ti trova in distanza “iperfocale”.

PS… questo ovviamente vale per la fotografia di paesaggi e non in modo universale. Se infatti tenti di mettere un soggetto in primo piano, attaccato all’obiettivo, e lo sfondo è distante, in questo caso non ottieni l’iperfocale.

NR. 7# BILANCIA IL BIANCO E REGOLA L’ESPOSIZIONE

Il bilanciamento del bianco e la regolazione dell’esposizione servono ad impostare l’immagine in modo tale che essa non appaia eccessivamente sovraesposta o ancor peggio sottoesposta.

Ma soprattutto consentono di far sì che la stessa assuma dei toni in linea con le sensazioni che vuoi far trasmettere attraverso la foto

Per quanto riguarda l’esposizione, per lavorare all’eliminazione di zone d’ombra o di luce eccessiva, devi andare a regolare l’otturatore della tua fotocamera e rallentarlo nel primo caso o accelerarlo nel secondo.

Se invece scatti in priorità Diaframma o Tempo, la fotocamera digitale dispone inoltre di un’apposita funzione chiamata : compensazione dell’esposizione.

Questa consente di agire direttamente sull’esposizione, aumentando e diminuendo il valore, finché non si raggiunge il livello ottimale desiderato

Non ti consiglio di agire sull’apertura del diaframma perché, se fai paesaggi, è fondamentale avere il controllo della profondità di campo.

Per quanto riguarda invece il bilanciamento del bianco puoi invece agire in due modi: impostare il bilanciamento del bianco automatico. Oppure impostarlo manualmente. Quando necessiti di ottenere uno scatto professionale o comunque di ottima qualità non puoi certo accontentarti dell’impostazione automatica, che tra l’altro non sempre è affidabile al 100%.

Ti consiglio quindi di impostare il bilanciamento del bianco in modo manuale trovando la gradazione ideale.

Se stai scattando in una situazione di cielo coperto, ad esempio, imposta la tua fotocamera su opzione ″nuvoloso″ e vedrai che otterrai dei toni caldi nell’immagine, senz’altro preferibili a quelli freddi che altrimenti vedresti nella tua foto.

Ad ogni modo io ti consiglio di scattare in RAW in modo tale da poter avere il controllo completo di questo parametro (ed in buona parte anche dell’esposizione) anche successivamente. In post-produzione.

NR. 8# FAI PRATICA SUL CAMPO SCATTANDO MOLTE FOTOGRAFIE

A prescindere da quale macchina fotografica tu abbia a disposizione e da quanti anni di esperienza hai alle spalle nel mondo della fotografia, non dimenticare mai che per ottenere scatti sempre migliori e ogni volta più precisi è indispensabile fare pratica.

Mettere in atto tutti gli accorgimenti che abbiamo visto finora non è certo cosa facile all’inizio. E quando si lavora sul campo si devono tenere a mente i diversi valori di regolazione della fotocamera che è opportuno modificare ai fini di ottenere degli ottimi scatti.

Il consiglio che posso darti, dunque, è quello di effettuare una serie di uscite con la tua fotocamera a tracolla, in posti dove è possibile riprendere il paesaggio da diverse prospettive.

Mi viene in mente ad esempio un belvedere (punto panoramico), oppure una località di montagna da dove sia possibile fotografare il panorama circostante.

Vai ad esempio sulla spiaggia e fai esercizio con la profondità di campo. Prova a ″giocare″ con le impostazioni della tua macchina sia di giorno, alla luce del sole, che al tramonto, quando le condizioni di luminosità si fanno molto più particolari e l’abilità del fotografo deve essere ancora maggiore.

Non preoccuparti se, almeno per i primi tempi, le tue fotografie non si potranno definire proprio spettacolari.

In fondo abbiamo già detto che il tuo obiettivo è quello di fare pratica e dagli errori non potrai fare altro che imparare, per migliorarti e realizzare scatti sempre più belli.

Non importa quanto tempo ci vorrà, perché se la fotografia è davvero la tua passione, riuscirai senza dubbio nell’intento. La tenacia sarà la tua migliore alleata, insieme alla pratica e a tanto studio.

Chi ha detto che la fotografia è un’arte innata? Si può avere intuito, ma senza la tecnica non si va da nessuna parte e questo un fotografo professionista lo sa bene.

LETTURA CONSIGLIATA

Ci sono passato anch’io, e posso azzardare una scommessa dicendo che pensi una di queste cose appena ti rendi conto che fotografare paesaggi è meno facile di quello che sembra:

I paesaggi non mi riescono bene perché non posso permettermi un viaggio negli Stati Uniti o in Australia. Li, chiunque sarebbe in grado di fare un buon paesaggio.
Non riesco a fare belle foto di paesaggi perché non ho l’attrezzatura fotografica adeguata.
Dove abito non c’è un luogo interessante da fotografare.
Non ho abbastanza tempo.
Non so usare Photoshop, quindi non sono in grado di ottenere dei colori belli come si vedono in certe foto on-line.
I bravi fotografi di paesaggio conoscono dei trucchi che non rivelano mai.
Non sono abbastanza creativo. Non ho avuto la fortuna di nascere col talento e l’occhio dei veri fotografi.

Ma le cose non stanno così. Proprio per questo che è nato il manuale sulla fotografia di paesaggi che metto a disposizione.

Il bello di questo manuale sta nel fatto che è nato dalla rabbia che provavo all’incapacità di creare delle fotografie di paesaggio soddisfacenti.

Ho cominciato ad analizzare il tema, studiare e confrontarmi con altri fotografi prendendo appunti su ogni aspetto chiave e, perché no, rubando qualche suggerimento e tecnica che ritenevo importante. Mettendo in pratica quello che ho appreso ho cominciato a vederne i risultati in modo tangibile praticamente da subito.

Ho capito cos’è che rende la fotografia di paesaggio complicata, ma allo stesso semplice. Perché una volta che comprendi come si deve procedere, le difficoltà svaniscono subito.

Clicca qui per avere maggiori informazioni sul manuale.

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Light Painting. Dipingere con la luce

15 Luglio 2019 by Alessio Furlan Leave a Comment

Il Light Painting è una tecnica molto divertente e creativa che poi applicare in tutti quei casi dove vuoi creare delle immagini straordinariamente interessanti e d’impatto. Senza la necessità di ricorrere a mezzi e strumenti costosi o contesti fotografici difficili da ottenere.

Non serve nemmeno essere degli esperti di lunga data per realizzare immagini strepitose ma quello che serve è principalmente una grande apertura mentale con una buona dose di inventiva.

Se poi hai il dubbio che il light painting non sia che una moda passeggera che affrontano i fotografi inesperti per realizzare qualche immagine di cui vantarsi su Facebook, beh… dovrai anche ricrederti!

Questa tecnica è usata nello still-life e nella fotografia commerciale come elemento integrante ed efficace per esaltare il prodotto fotografato.

Prima di iniziare, specie se è la prima volta che leggi il mio blog, ti vorrei suggerire di iscriverti alla newsletter. I motivi ti possono sembrare banali, ma in realtà iscrivendoti riceverai prima di tutto, e gratuitamente, delle guide per apprendere alcune tecniche fotografiche. Per secondo, riceverai settimanalmente dei consigli e suggerimenti fotografici rivolti esclusivamente a chi è iscritto. CLICCA QUI PER SAPERNE DI PIÙ »

GENERALITÀ SULL’USO DEL LIGHT PAINTING

Prima di passare allo scatto vero e proprio è opportuno fare alcune delucidazioni per garantire che il tutorial che seguirai passo dopo passo ti porti ai risultati che ti sei prefisso.

Per raggiungere un gradevole livello di tecnica light painting dovrai tenere a mente alcuni aspetti riguardanti l’ambiente in cui installerai il set fotografico e altri aspetti legati all’uso ragionato dell’attrezzatura, ancora prima di entrare subito nel vivo della tecnica.

La tecnica del light painting era utilizzata principalmente per lo still-life, ma alcuni pionieri sono riusciti a vederci anche espressioni interessanti verso i ritratti e perfino negli scatti di paesaggi notturni (utilizzando potentissimi fari in ambienti notturni con un buio palpabile).

Le possibilità sono infinite e pertanto in questo tutorial potrai apprendere la tecnica standard valida per ogni condizione.

IL FOTOGRAFO È IL PROTAGONISTA DEL LIGHT PAINTING

Come si vedrà nel tutorial il vero protagonista di questa tecnica è proprio il fotografo, poiché a lui è demandata la scelta delle sorgenti luminose che dovranno dare vita ad un’immagine nera.

La scelta di una fonte luminosa è strettamente legata alla volontà di ottenere risultati di tipo pittorico, che assomigliano ai dipinti tipici delle “nature morte” o con esse facilmente scambiabili oppure ottenere dei risultati di tipo dinamico, dando la sensazione alle immagini di muoversi sospese nel nero circostante.

ATTREZZATURA DI BASE INDISPENSABILE

Segue una lista di attrezzatura ed equipaggiamento minimo per eseguire delle corrette sessioni di light painting:

Fotocamera reflex o mirrorless;
Treppiede o cavalletto regolabile;
Dispositivi e/o telecomandi per lo scatto a distanza;
Torce o sorgenti luminose idonee al tipo di “pennellata”;

Oltre a quest’attrezzatura è possibile prevedere, in caso di ambiente esterno, il batterygrip se s’ipotizza un dispendio di energia da parte della batteria.

INSTALLAZIONE DEL SET E CREAZIONE DELL’AMBIENTE

Teoricamente ogni ambiente buio potrebbe rappresentare un’ottima base di partenza per una sessione di light painting, tuttavia si parla d’installazione del set nei casi in cui le inquadrature saranno eseguite all’interno di ambienti chiusi. In un contesto domestico, anche il fai da te può dare buoni risultati.

Lavorando in ambienti chiusi è necessario che la parete abbia uno sfondo scuro, completamente nero, e pertanto si può utilizzare efficacemente un telo nero in tessuto rigido.

E’ importante che tu stia lontano da pareti bianche o riflettenti, che condizionerebbero inevitabilmente il set. Lo stesso dicasi per specchi, vetri e pannelli.

All’esterno è tutto superfluo, occorre solo scegliere un’area completamente buia, senza luce lunare e possibilmente senza luce stellare. Il cielo coperto in questo caso potrebbe rivelarsi utile.

USO DELLA TORCIA E POTENZA DELL’ILLUMINAZIONE

Vale una regola fondamentale: tanto più è potente la torcia o la sorgente luminosa tanto minore sarà il tempo di esposizione.

Vorrei consigliarti, soprattutto se sei alle prime esperienze, di utilizzare torce a bassa potenza, evitando di diluire i tempi di esposizione lasciandoli più lunghi. Una torcia a bassa potenza permette delle pennellate più lunghe e offre maggiore possibilità di ritocchi o ripassi.

La bassa potenza della torcia previene in buona sostanza uno dei principali problemi tecnici del light painting, ossia le alte luci bruciate, causate dalle spennellate troppo forti, che in fase di post-produzione non potranno essere ritoccate.

Lavora quindi a bassa potenza, sperimentando di volta in volta la qualità, la consistenza e la potenza delle torce, in modo da poterle utilizzare in modo combinato per lavori qualitativamente più elevati.

Prima di continuare ti chiedo un piccolo favore. A te non costa nulla, mentre a me serve per migliorare la visibilità di questo post condividendo questo articolo.

COME IMPOSTARE LA FOTOCAMERA

L’impostazione della fotocamera non richiede notevoli conoscenze tecniche, tuttavia i pionieri e i progressisti di questa tecnica offrono delle pillole di saggezza che vorrei qui rammentarti.

DIAFRAMMA

Chiudere il diaframma per aumentare la durata dell’esposizione, non avere fretta di finire per vedere immediatamente il risultato. Se usi un diaframma molto chiuso, riuscirai ad ottenere una maggiore profondità di campo, conseguendo una perfetta nitidezza, che ti darà la sensazione di un aver dipinto su una tela con un magico pennello.

Un altro vantaggio del diaframma molto chiuso è la prevenzione della sovra-esposizione delle aree maggiormente pennellate.

IMPOSTAZIONE DELLO SCATTO

Come imposto la mia fotocamera? E’ una domanda scontata, ma la risposta lo è altrettanto. Non c’è alcuna impostazione della fotocamera. A parte l’utilizzo della funzione bulb (detta anche Posa B) non è possibile fare alcuna misurazione, né utilizzare l’esposimetro venendo meno la presenza di sorgenti luminose cui fare riferimento.

A parte l’utilizzo della funzione bulb (detta anche Posa B) non è possibile fare alcuna misurazione, né utilizzare l’esposimetro venendo meno la presenza di sorgenti luminose cui fare riferimento.

Le prove sono il vero strumento d’impostazione. Tutto si gioca tra le pennellate del fotografo sugli oggetti e la potenza della sorgente luminosa utilizzata. Ogni prova dovrà essere esaminata con cura per stabilire, in seguito, l’uso creativo della luce.

MODALITÀ DI ESECUZIONE DELLO SCATTO

Quando tutto l’ambiente o il set è stato sistemato, i passaggi dalla teoria alla pratica di scatto sono fondamentalmente cinque:

Inquadrare il set da scattare;
Quando, se e dove sia possibile, procedere alla messa a fuoco (manuale naturalmente);
Iniziare con la sensibilità ISO più bassa (di solito 100 ISO) per poi aumentarla se i tempi di scatto risultano eccessivamente lunghi.
Chiudere il diaframma come ti ho già detto nel precedente paragrafo per avere la massima profondità e la maggior nitidezza;
Attivare con il selettore la funzione di Posa B;

E per finire azionare lo scatto. Quando la fotocamera è in ripresa, cominciare a dipingere con la sorgente luminosa, cercando di ricordare le aree che sono state illuminate.

ACCORGIMENTI PER COMPIERE DELLE PENNELLATE DI LUCE ORDINATE

La pennellata è strettamente correlata alla tua mano, tanto più sarà morbida altrettanto la pennellata sul soggetto sarà dolce. Ti segnalo di seguito alcuni altri piccoli accorgimenti che si riveleranno utili durante le fasi di test:

Evita bruschi movimenti della torcia, soprattutto se sei in prossimità della fotocamera;
Non utilizzare il fascio luminoso nella direzione dell’obiettivo poiché in questo modo potresti creare delle scie luminose che pregiudicherebbero il tuo risultato finale, salvo che tu non abbia una valida ragione compositiva;
Prestare attenzione alle ombre, il fascio di luce della sorgente crea inevitabilmente delle ombre, di conseguenza faresti bene a considerare come ultima possibilità quella di ottenere ombre doppie, che sono spesso di cattivo gusto e difficili da gestire sia nella fase dello scatto sia nella post-produzione;

COME ESEGUIRE I TEST PRELIMINARI

Un modo semplice per costruire l’impostazione ottimale, che manco a dirlo varia sempre da set a set, è quello di fare i test preliminari e previsualizzarli subito.

Prova innanzitutto le sorgenti luminose, per dotarti in modo autonomo di un sistema di calibrazione, potresti per esempio sistemare nel set tre oggetti (uguali sarebbe meglio) e spennellarli con la luce un numero di volte differenti. In modo da valutare l’apporto di luce con ogni spennellata. Se sul primo oggetto spennelli due volte, sul secondo potresti spennellarci 4/5 volte e sul terzo 6/7 volte o più. Con questa tecnica riuscirai, senza troppi sforzi, a sapere quanto influisce la spennellata di luce nell’ambito della ripresa.

Scatta un maggior numero di foto e scrivi su un taccuino i risultati ottenuti non dimenticando nulla: dall’oggetto utilizzato, alla sorgente luminosa utilizzata. Di volta in volta che eseguirai le prove, potrai redigere una sorta di diario di bordo che rappresenterà nel futuro il tuo miglior manuale delle procedure.

TECNICHE FOTOGRAFICHE ASSOCIATE AL LIGHT PAINTING

Le tecniche fotografiche associate al light painting sono tante e tutte hanno una propria caratteristica.

Alcuni fotografi hanno trovato dei riscontri nel binomio startrail e light painting, in parte perché le due tecniche hanno come comune denominatore il buio, in parte perché è apparso evidente che l’uso creativo della luce permette di ottenere immagini dal notevole impatto visivo, non replicabili in alcun modo se non con la post-produzione grafica (e non fotografica).

Associati al light painting vi sono altre sperimentazioni, in grande parte prodotte nel campo della fotografia stroboscopica (con l’uso professionale dei lampeggiatori flash), la temperatura della sorgente luminosa è in grado di cambiare il senso dell’immagine finale e per questa ragione molti ricercatori della fotografia utilizzano un mix di sorgenti tra loro combinate con risultati sorprendenti, talvolta impressionanti, talvolta bizzarri e altre volte ancora imprevedibili.

CONCLUSIONI

L’arte fotografica si fonda sulla tecnica e sulla conoscenza dei principi base dell’ottica e della fisica. Tecniche d’avanguardia come il light painting dimostrano che la creatività, in tanti casi, sconfina e procede oltre le logiche regole imposte dalla fotografia da manuale.

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Padroneggiare l’arte del Panning in 9 suggerimenti

10 Luglio 2019 by Alessio Furlan Leave a Comment

Il panning fotografico è una tecnica fotografica che consiste nel catturare l’immagine di un soggetto seguendone il movimento in modo tale da rendere poco definito lo sfondo (banalmente si potrebbe dire “sfocato” ma non è la stessa cosa), ma catturando il soggetto perfettamente a fuoco (come puoi vedere dagli esempi fotografici qui sotto).

Se dal punto di vista teorico sembra una cosa molto semplice da fare, in realtà ci vuole molta pratica per padroneggiare questa tecnica.

Di seguito vi porto alcuni suggerimenti utili ed interessanti per affrontare lo studio e sperimentazione di questa tecnica.

RIDOTTA VELOCITÀ DI SCATTO NEL PANNING

Questo è probabilmente l’aspetto più importante da tenere a mente quando vuoi cimentarti nell’effetto panning.

L’obiettivo è quello di assecondare per pochi attimi il movimento del soggetto pertanto è necessario utilizzare una velocità di scatto ridotta/lenta.

Definire una velocità di scatto idonea è difficile perché dipende da quanto “velocemente” si sposta il soggetto.

Fondamentalmente più lento è il soggetto in movimento e minore deve essere la velocità di scatto.

Per cominciare puoi testare usando un tempo di scatto da 1/50 di secondo a 1/10 di secondo, che dovrebbe essere sufficiente per ottenere i primi risultati.

Partendo da questi parametri di scatto che ti ho suggerito tieni in considerazione che:

Se il soggetto ti passa davanti ad una velocità molto sostenuta a tal punto che non riesci a mantenere nitido il soggetto, devi “velocizzare” il tempo di scatto, ovvero utilizzare un tempo di scatto più breve.
Se il soggetto ti passa davanti ad una velocità lenta e poco sostenuta allora devi “rallentare” ulteriormente il tempo di scatto, ovvero utilizzare un tempo di scatto più lento.

APERTURA DIAFRAMMA RIDOTTA NEL PANNING

Se hai fatto un corso di fotografia sei già al corrente del fatto che usando un’apertura ridotta del diaframma hai una maggiore area di messa a fuoco, ottenendo immagini più definite. Nella tecnica del panning serve proprio questo!

Usando la modalità di scatto Priorità Diaframma (Av/A) e chiudendo il diaframma ottieni due risultati:

Il primo consiste nell’automatico e conseguente rallentamento della velocità di scatto (il tempo di scatto aumenta).
Il secondo consiste nell’ottenere un effetto mosso dai contorni più definiti, creando così un intenso senso di movimento.

USARE FOCALI PIU’ LUNGHE NELLE FOTO IN MOVIMENTO

Il panning foto puoi farlo con qualsiasi obiettivo. Tuttavia ti risulterà più semplice ottenere risultati se utilizzi un obiettivo con focali più lunghe.

Una focale più lunga corrisponde ad un ingrandimento maggiore, e di conseguenza ti basta fare movimenti più brevi per ottenere degli effetti di foto in movimento.

Inoltre, la distorsione minore data da questo tipo di obiettivi rende lo sfondo più uniforme, privo di sbavature e di conseguenza più gradevole alla vista.

Tuttavia c’è anche un lato negativo nell’uso delle focali lunghe: bisogna prendere un pò di pratica nel seguire bene il soggetto in modo che risulti bello nitido nell’immagine finale.

STABILIZZATORE CON IL PANNING FOTOGRAFIA

Non è necessario disporre di uno stabilizzatore d’immagine per effettuare del panning fotografico.

Tuttavia molti obiettivi hanno delle funzioni specifiche per impostarlo appositamente in modo da essere ottimizzato per questo tipo di tecnica fotografica.

Leggi con attenzione il manuale d’uso del tuo obiettivo per capire se dispone di questa particolarità.

Se il tuo obiettivo dispone solo della modalità di stabilizzazione standard allora ti consiglio di disattivarla.

FOTO PANNING E MODALITA’ DI SCATTO

La tecnica è meno semplice di quello che sembra.

Il mio consiglio è di impostare la fotocamera sulla modalità di scatto a raffica in modo che tu possa realizzare 2–3 scatti ogni passaggio del soggetto in movimento.

In questo modo potrai selezionare lo scatto migliore tra quelli ottenuti.

Non illuderti. Nessuno si ricorderà di te per “come hai realizzato la foto”. Ma si ricorderanno della tua foto. Quindi non fare il fenomeno.

La questione non è essere bravi o meno bravi. La scena si volge così velocemente che non è possibile rendersi conto se la composizione è valida o meno. Lo scatto a raffica non è una giustificazione ma una necessità.

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SEGUIRE IL SOGGETTO NEL PANNING FOTOGRAFICO

Per padroneggiare la tecnica delle foto in movimento e maturare l’esperienza sufficiente su come seguire il soggetto nel modo corretto ci vuole molta pratica e costanza. Su questo non potrai avere compromessi.

Tuttavia ci sono delle tecniche possono renderti la vita più facile. Uno di questi è quello di impostare la messa a fuoco della tua fotocamera su punto singolo (suggerisco quello centrale) per poi allinearlo con un punto di riferimento sul soggetto in movimento.

Nella pratica… segui col punto centrale di messa a fuoco un elemento del soggetto in movimento (un fanale ad esempio) e cerchi di mantenerli allineati per qualche secondo avviando lo scatto a raffica.

Questo ti dovrebbe dare molte più chance per ottenere il risultato voluto.

Note. Ovviamente dipende anche dalla tua fotocamera. Ormai le moderne mirrorless sono dotate di sistemi di messa a fuoco intelligenti (tracking, AI ecc…). Questi sistemi sono in grado ormai di agganciare un soggetto e seguirlo nella messa a fuoco anche in movimento. Ed in modo molto efficace!

INQUADRATURA AMPIA NEL PANNING FOTOGRAFICO

Quando vuoi creare l’effetto panning, se sei proprio all’inizio e diversamente da come ti avevo indicato poco prima in questo articolo, il mio suggerimento è quello di mantenere un’inquadratura un po’ più ampia rispetto al soggetto principale.

Questo dovrebbe darti una mano per ottenere più facilmente il risultato in quanto hai modo di vedere più chiaramente il soggetto in movimento. Inoltre il suo movimento “apparente” è più lento rispetto all’usare una focale lunga e ti semplifica la vita.

Successivamente, in post-produzione, effettuerai un eventuale ritaglio (crop) per eliminare le parti inutili e che distraggono.

Per contro, di solito l’uso di una focale più ampia rende “meno bello” il panning rispetto a quello che si ottiene usando una focale lunga.

POSIZIONE PARALLELA NEL PANNING

Una cosa che a molti sfugge quando tentano di realizzare del panning è la necessità di essere paralleli al soggetto in movimento che vuoi fotografare.

Se non studi la scena per metterti nel posto giusto e finisci per non essere parallelo al soggetto in movimento, ottieni un panning dove il soggetto sarà anch’esso sfuocato e mosso in molti punti.

Questo è uno dei principali errori che viene fatto.

Note. La posizione parallela consiste nel posizionarti in modo che il soggetto ti passi davanti da destra vs. sinistra (o da sinistra vs. destra). In modo che tu, per fotografarlo con la tecnica del Panning, devi ruotare su di te di circa 90°. Vedi esempio fotografico qui sopra.

FOTO PANNING: PRATICA

Questo suggerimento dovrebbe essere ovvio e te l’ho già detto molte volte in questo articolo, ma è giusto ricordartelo.

Come qualsiasi altra abilità, richiede molta pratica. Forse anche più di altre tecniche.

Se non sai da dove cominciare beh… comincia col sederti su una panchina lungo una strada.

Ti vien da ridere? Beh… sono quasi sempre perfettamente parallele al senso di marcia degli automezzi. Inoltre trovandoti in un’area pubblica puoi fotografare senza tanti problemi (ricorda però di far attenzione a come userai/pubblicherai le foto per questioni di privacy).

Detto questo non resta che augurarti buon divertimento.

Ah, ultima cosa importantissima. L’articolo ti è piaciuto? Lasciami un commento qui sotto o condividi l’articolo con i tuoi amici!

A scuola di fotografia con Henri Cartier-Bresson

8 Luglio 2019 by Alessio Furlan Leave a Comment

Per un fotografo, parlare di Henri Cartier-Bresson è come parlare di un padre. O, potremmo dire, di un Maestro nel senso più autentico del termine (e con la M rigorosamente maiuscola).

La sua esperienza e il suo esempio ci porteranno fino al cuore, fino all’essenza stessa della fotografia.

Perché, se è vero che i poeti ci offrono nuove parole per descrivere il mondo, il primo passo per imparare a scattare buone fotografie è saper riconoscere coloro che ci hanno insegnato a vedere il mondo da punti di vista inediti e, Henri Cartier-Bresson è senz’altro uno di questi.

Non a caso è stato definito l’Occhio del Secolo: attraverso il mirino della sua Leica sono passate immagini che hanno riflesso l’anima del ‘900 e che sono entrate nel nostro immaginario in maniera indelebile.

Henri Cartier-Bresson — *La Leica 1, la prima macchina fotografica di Cartier-Bresson |* ht tps://it.wikipedia.org/wiki/Henri_Cartier-Bresson

In questo articolo conosceremo insieme questo immenso fotografo francese, nato a Chaneloup-en-Brie nell’agosto del 1908 e morto a Céreste nel 2004, all’età di 95 anni.

Leggeremo le sue parole e proveremo a trarne qualche lezione utile ad arricchire il nostro percorso di formazione verso una maggiore consapevolezza fotografica.

La vita di un artista è sempre intrecciata in maniera inscindibile con la sua opera. Per questo uno dei primi consigli che posso darti, se desideri entrare nel meraviglioso mondo della fotografia, è di studiare la vita dei fotografi che ammiri.

Dietro a ogni fotografia c’è un mondo che non è mai soltanto quello che si vede.

In ogni immagine, anche quella apparentemente più banale, c’è un orizzonte ampio di scelte, di desideri, di pensieri, di narrazioni interiori che fanno parte della vita e dell’immaginario di chi l’ha scattata.

Dietro ogni fotografia c’è un universo intero fissato in un istante e Henri Cartier-Bresson ci insegnerà a riconoscerlo.

LEZIONE N.1: COGLI L’ISTANTE (PERFETTO)

Cominciamo da qui: dall’istante e dalla sua inafferrabile perfezione:

Le fotografie possono raggiungere l’eternità attraverso il momento, sosteneva Cartier-Bresson.

E cos’è l’eternità se non il sincronismo perfetto che supera il tempo, l’incontro magico di un elemento fugace e apparentemente casuale con la fissità dell’inquadratura che ci fa sussultare?

Quando guardiamo una fotografia di Henri Cartier-Bresson non possiamo fare a meno di stupirci e di chiederci: ma come ha fatto a cogliere proprio quell’istante, quel dettaglio così sorprendente?

L’istante perfetto può essere determinato da un passante che salta una pozzanghera specchiandosi in essa o da un improvviso volo di colombi oppure ancora dal passaggio di un uomo in bicicletta, da un movimento imprevedibile, da uno sguardo fugace.

La folgorazione della bellezza richiede un altrettanto folgorante capacità di coglierla: è questo il primo insegnamento che possiamo trarre Cartier-Bresson.

E folgorante fu anche il suo incontro con la fotografia.

Forse sarà capitato anche a te di vedere una fotografia scattata da un altro fotografo e pensare: voglio farlo anch’io! Ecco, è quello che accadde al giovane Henri Cartier-Bresson di fronte a una fotografia dell’ungherese Martin Munkacsi .

Fu quell’incontro a “dar fuoco alle poveri” e fargli venire voglia di guardare il mondo attraverso l’obiettivo, come lui stesso affermò.

Fino a quel momento, il suo percorso di formazione aveva ruotato attorno all’arte, in particolare alla pittura, a cui lo aveva introdotto suo zio Louis.

Ma bastò quella visione (quell’incontro istantaneo) a determinare il suo destino.

Ogni grande fotografia ha potenzialmente il potere di illuminarci, di spalancarci un mondo di possibilità inimmaginabili.

Ma dietro all’immediatezza apparente, dietro al “momento decisivo” che si compone all’improvviso sotto ai nostri occhi, c’è un lavoro di sottile architettura.

L’istante perfetto è lì fuori che ci attende. Ma cosa ci rende davvero capaci di coglierlo?

Per spiegare come Henri Cartier-Bresson sia stato capace di innovare il linguaggio fotografico in maniera così determinante, non possiamo prescindere dai mezzi tecnici che lo hanno reso possibile.

Fu tra i primi ad utilizzare una macchina fotografica di piccolo formato, la famosa Leica 35 mm, con ottica fissa 50 mm, che lo accompagnò ovunque per tutto il resto della sua vita.

Note: è curioso pensare come noi chiamiamo “Formato Pieno” o “Grande formato” il FullFrame, riconoscendo il “piccolo formato” nell’APS-C o Micro 4/3 mentre un tempo era proprio il FullFrame (35mm) ad essere visto come “piccolo formato”.

“Ho scoperto la Leica; è diventata il prolungamento del mio occhio e non mi lascia più”

Ecco, questa frase probabilmente ti potrà bastare per capire quale tipo di rapporto dovrà instaurarsi con la tua macchina fotografica: deve essere il prolungamento del tuo occhio.

Solo così, scattare sarà semplice e naturale come respirare. Solo così sarà possibile cogliere il momento decisivo, perché non dovrai pensare a come fare: lo farai e basta.

LEZIONE N. 2: SPERIMENTA L’OTTICA FISSA E CERCA LA SEMPLICITÀ

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Spesso, quando si comincia a fotografare si pensa che non si potranno raggiungere alti livelli qualitativi senza l’attrezzatura adatta e, soprattutto, senza disporre di ottiche sofisticate e costose.

Beh, in realtà le condizioni ideali per scattare fotografie memorabili non si raggiungono (quasi) mai e l’attesa di queste ultime potrebbe essere, in realtà, solo una scusa per non agire.

Henri Cartier-Bresson ci insegna anche questo: impara a fare molto con poco. Alleggerisci la tua attrezzatura e esci in strada a fotografare, il mondo ti attende.

Questa scelta aveva almeno due ragioni:

La prima è che questo tipo di obiettivo è quello che restituisce inquadrature più vicine alla naturale visione umana.
La seconda è che secondo Bresson il raggiungimento della semplicità espressiva passa attraverso l’abnegazione e l’economia di mezzi.

La semplicità espressiva, in Henri Cartier-Bresson, tende a coincidere con la perfezione: non vi è nulla di eccessivo nelle sue fotografie, non un peso visivo fuori posto o un elemento incoerente all’interno della composizione, eppure è sempre presente un guizzo, qualcosa che va oltre la staticità, che interviene ad animare la scena.

La leggerezza della Leica consentiva, infatti, di scattare più foto, più velocemente. Di registrare la realtà nel suo farsi.

Anche per questo Henri Cartier-Bresson è universalmente riconosciuto come il pioniere del foto-giornalismo.

Ecco, scattare fotografie può essere un gesto semplice ed essenziale:

uscire per strada con la fotocamera sempre in tasca e pronta a registrare la vita nel suo compiersi incessante
scegliere un’ottica — una soltanto — che restituisca una visione schietta e naturale, senza artifici, dello spazio che ci circonda
mettersi al servizio della fotografia con abnegazione di sé (e questo non è da tutti, ma è senz’altro una caratteristica che denota i grandi artisti).

Sono tutti esercizi utili, questi, per arrivare a cogliere il senso più intimo dell’attività di un fotografo.

Come puoi facilmente osservare, al giorno d’oggi, con l’avvento di tecnologie digitali sempre più sofisticate, scattare buone fotografie è diventato molto facile e praticamente alla portata di tutti.

Anche un semplice smartphone riesce a restituire immagini con caratteristiche tecniche impressionati.

Ma è altrettanto evidente che non è la quantità di pixel o la possibilità di aggiungere un filtro più o meno di tendenza a fare la grandezza di una fotografia.

L’aspetto determinate rimane l’occhio del fotografo, o meglio, la capacità di guardare e di vedere qualcosa che valga la pena immortalare (ossia, letteralmente, rendere niente di meno che immortale).

In tempi in cui si fotografa di tutto e di più, il ruolo del fotografo diventa fondamentale per rendere nuovamente visibile la bellezza e questo lo si può fare senza timore anche utilizzando mezzi semplici.

Tra l’altro lo stesso Henri Cartier-Bresson, al suo tempo, era criticato per la scelta della Leica dai fotografi professionisti che continuavano a utilizzare macchine di “medio formato” con soffietto, come per esempio la Linhof.

Ciò deve farti riflettere sul fatto che quando sappiamo qual è il risultato estetico che vogliamo raggiungere, possiamo ottenerlo anche con i mezzi semplici di cui disponiamo.

Fu lo stesso Henri Cartier-Bresson a sostenere che:

“l’apparecchio per noi è uno strumento, non un giocattolino meccanico. È sufficiente trovarsi bene con l’apparecchio più adatto a quello che vogliamo fare.”

Dunque, sii audace. Fotografa con ciò che hai a disposizione, potresti contribuire a riscrivere le regole del gioco come ha fatto, senza alcun dubbio, il nostro Henri Cartier-Bresson.

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LEZIONE N. 3: LIBERATI DAI CONDIZIONAMENTI E MATURA IL GIUSTO DISTACCO

C’è una costante che ritorna sempre nella vita dei grandi artisti che hanno fatto la storia: la capacità di sublimare la competitività trasformandola in spirito di collaborazione.

Ciò rese possibile a fotografi del calibro d Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymour, William Veandivert e George Rodger, di fondare insieme, nel 1947, la mitica agenzia fotografica Magnum.

Fu così che Cartier-Bresson iniziò a girare il mondo per scattare i suoi reportage.

Precedentemente aveva partecipato alla resistenza francese (non dimentichiamo che erano gli anni del secondo conflitto mondiale) ed era stato catturato dalle truppe naziste, riuscendo a scappare al terzo tentativo.

Famosissime sono le sue foto della liberazione di Parigi, nel 1945.

Pensa che nel 1946 il MOMA di New York, ritenendolo morto in guerra, annuncia di voler organizzare una retrospettiva in suo onore.

Naturalmente, venutone a conoscenza, Henri Cartier-Bresson contattò il museo informandoli del fatto che era, invece, vivo e vegeto. La mostra fu inaugurata l’anno successivo, con una selezione di immagini compiuta dallo stesso Henri Cartier-Bresson.

Ma torniamo all’influenza positiva (di negative ce ne sono fin troppe, è inutile sottolinearlo!) che possono avere su di noi gli altri, in particolare i nostri colleghi.

Fu proprio Robert Capa a suggerire al giovane Henri di non subire influenze legate alle correnti artistiche dell’epoca, a non attaccarsi addosso “l’etichetta del fotografo surrealista”, ad essere semplicemente un foto-giornalista.

Questa indicazione fu fondamentale. Impedì al giovane Henri Cartier-Bresson di cedere a condizionamenti che lo avrebbero reso un fotografo di maniera.

Questa è una lezione importantissima: sii te stesso. Fotografa senza pregiudizi e senza condizionamenti. Solo così potrai fare qualcosa di diverso, di originale.

Ma Henri Cartier-Bresson andò addirittura oltre, riuscendo a maturare un distacco vitale anche nei confronti della fotografia stessa:

“Non si devi pensare di vivere per la fotografia — diceva — Bisogna vivere e basta. Poi sarà la vita a darti delle immagini da prendere!”

E, se ci fai caso, è proprio così. Ti è mai capitato di uscire a fotografare senza sapere cosa esattamente volessi fotografare? Immagino di sì.

La fotografia può essere vissuta come un incontro magico tra noi e il mondo, di cui non sappiamo nulla fino al momento in cui avviene.

A meno che tu non sia esclusivamente un fotografo di Still Life, fotografare è aprirsi all’imprevedibilità della vita e alla sua capacità di rivelarsi sotto i nostri occhi.

Dunque, l’esercizio che puoi provare a fare è questo: dimentica tutto quello che sai, prova a smettere di pensare, fai il vuoto nella mente (come se fossi un monaco zen) ed esci a fotografare.

Lasciati stupire dalle cose che ti circondano come se le stessi vedendo per la prima volta. Vivi ogni nuovo giorno e ogni nuova sessione fotografica come se fosse la tua rinascita.

Del resto Cartier-Bresson affermava:

“Si muore tutte le sere, si rinasce tutte le mattina: è cosi. E tra le due cose c’è il mondo dei sogni”

A leggere queste parole, non c’è da stupirsi se Henri Cartier-Bresson sia ritenuto il più grande fotografo del Novecento, un pioniere, l’Occhio del secolo.

Come avrai capito, la capacità di cogliere l’istante perfetto non si raggiunge dall’oggi al domani, ma si matura con la dedizione, con la voglia di sperimentare orizzonti nuovi e con l’abnegazione di cui abbiamo parlato.

Solo così si potrà stabilire l’equilibrio tra ciò che vediamo e ciò che sentiamo e si arriverà a cogliere il momento decisivo per restituirlo attraverso immagini significative e memorabili.

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APPENDICE. QUALCHE ALTRO SPUNTO PER RIFLETTERE

Naturalmente le tre lezioni precedenti non esauriscono la grandezza di questo autore e l’infinità di stimoli che la sua opera può offrire.

Per questo ti invito ad approfondire e a cercare da solo altri spunti per accrescere la tua motivazione a migliorare sempre di più nel tuo percorso fotografico.

Voglio però darti ancora qualche suggestione tratta dalla mia analisi personale dell’opera di Henri Cartier-Bresson.

Questo grande fotoreporter era anche un sublime ritrattista.

Nell’ultima parte della sua vita ha scattato fotografie a tantissimi artisti e personaggi famosi, tra cui Picasso, Camus, Matisse, Coco Chanel, Marilyn Monroe, Robert Kennedy, Che Guevara e molti altri.

Ebbene, una caratteristica peculiare dei suoi ritratti è la naturalezza: Henri Cartier-Bresson non mette mai in posa i suoi soggetti ma li fotografa cogliendo “l’attimo decisivo” mentre li osserva vivere nel loro ambiente quotidiano.

Da questo importante dettaglio puoi tratte un esercizio efficace anche per sviluppare la tua bravura di ritrattista.

Infine, voglio sottolineare quanto sia importante non esaurire la tua ricerca di ispirazione solo all’interno dell’arte fotografica ma di creare analogie con altri linguaggi.

Henri Cartier-Bresson nasce come pittore e durante la sua carriera ha avuto anche importanti esperienze cinematografiche, prima come collaboratore del regista Jean Renoir, poi realizzando personalmente alcuni film documentari, tra cui “Le Retour”, sul ritorno a casa dei rifugiati di guerra francesi.

La sperimentazione dei linguaggi più vari ci aiuta a rendere più profonda la nostra capacità di osservare e raccontare il mondo. Non dimenticarlo mai.

Bene, a questo punto non ti resta che prendere la macchina fotografica e uscire.

Ti lascio con le parole del Maestro, leggile come un invito a fare altrettanto:

“Andavo in strada tutti i giorni per tutto il giorno, ansioso di attaccare la vita, di catturarla”

Siamo giunti alla fine dell’articolo. Aspetto i tuoi commenti e le tue riflessioni nei commenti…! In più, se l’articolo ti è piaciuto, ti chiedo semplicemente di condividere questo articolo sul tuo social network preferito!

Macrofotografia. Guida passo-passo per affrontarla

1 Luglio 2019 by Alessio Furlan 4 Comments

Nella macrofotografia la tecnologia raggiunta dalle case costruttrici di macchine fotografiche ha di gran lunga superato le limitazioni che esistevano, rendendo di fatto molto più semplice realizzare questa tecnica fotografica.

Il mondo macro attraverso la fotografia viene ingrandito, mostrato nella sua reale consistenza e quindi il ricorso ad attrezzature fotografiche suppletive era una prassi scontata.

Ma perché la macrofotografia (o fotografia macro) piace tanto a tanti fotografi?

Il quesito è di facile risposta: è una tecnica fotografica alla portata di qualsiasi fotografo, anche alle prime armi.

Si, indubbiamente ci sono fotografi specializzati in questa tecnica che sanno tirar fuori delle immagini stupende che noi non siamo nemmeno in grado di “imitare”. Tuttavia, per iniziare a fare macrofotografia ed ottenere qualche risultato che ci soddisfa, non è necessario avere anni di esperienza (senza nulla togliere a chi ne ha pure da vendere!).

ATTREZZATURE PER LA MACRO FOTOGRAFIA

Oggi quasi tutte le fotocamere sono in grado di scattare fotografie macro, quindi non si può stabilire fin da subito quale sia la macchina migliore o quale potrebbe essere quella più indicata.

Tuttavia grandi limitazioni sorgono ancora dal punto di vista ottico, infatti la macrofotografia soffre molto la mancanza di profondità di campo, dovuta per certi versi ai ristretti spazi entro cui deve realizzarsi lo scatto.

Le attrezzature necessarie per iniziare un percorso macro-fotografico sono:

Una macchina fotografica, sia full-frame, che aps-c o micro 4/3.
Un cavalletto/treppiede.
Un obiettivo macro (o un obiettivo normale dotato di tubo di prolunga o una lente Close-up).

Le attrezzature non fondamentali, ma utili, invece possono essere queste:

Una slitta micrometrica.
Un pannello riflettente.

Comprenderai nei prossimi paragrafi come scegliere questa attrezzatura e il corretto modo di utilizzarla per sperimentare la potenza della macro-fotografia.

FOTOCAMERA PER MACROFOTOGRAFIA

La fotocamera Full-frame è generalmente considerata il top della qualità fotografica, tuttavia le Aps-c si rivelano di grande aiuto.

A differenza delle Full-frame, il sensore APS-C ingrandisce l’immagine di circa una volta e mezzo (o due nel caso del sensore micro 4/3 usato nelle Olympus e Panasonic) grazie al suo fattore di moltiplicazione.

C’è da dire inoltre che la tipologia costruttiva del sensore e lo zoom digitale possibile negli schermi esterni si rivelano utilissimi per chi è alle prime esperienze di macrofotografia.

Spesso è sottovalutato l’uso dello schermo esterno in macrofotografia sia nelle reflex che nelle mirrorless, credendo che sia uno strumento idoneo più alle riprese video che a quelle fotografiche.

Invece molti neofiti di questa tecnica hanno sperimentato eccellenti risultati utilizzando la potenza dello zoom digitale per impostare la giusta messa a fuoco anche nella fase preliminare allo scatto e nella creazione dell’inquadratura o della composizione.

IL TREPPIEDE

Non è possibile fare a meno di un treppiede nella macro fotografia inanimata.

Il treppiede costituisce un valido supporto all’eliminazione delle vibrazioni e del micro-mosso. A maggior ragione quando lo scatto macro è contraddistinto da una componente creativa che incide profondamente sul risultato finale da ottenere.

Per fotografie macro su esseri viventi il treppiede non sempre viene usato, ma nei casi di piccoli oggetti, foglie, fiori, gioielli e tutto ciò che è di piccole dimensioni può rivelarsi utile.

Sembra noioso ripetere cose sentite mille volte, ma io ti consiglio dare una lettura a questo articolo per capire quale treppiede è idoneo per le tue necessità.

GLI OBIETTIVI

E’ pratica comune dotarsi di obiettivi a focale fissa per ottenere immagini di alta qualità.

Spesso gli aspetti legati alle focali vengono bypassati perché i costi in taluni casi appaiono proibitivi, però dotarsi di obiettivi specifici per la fotografia macro è la scelta di elezione e lo sforzo economico sostenuto, nel tempo, restituirà grandi soddisfazioni.

Sono da prediligere tutti gli obiettivi che offrono la possibilità di conseguire un ingrandimento in scala 1:1.

I risultati seriamente apprezzabili si ottengono con focali superiori a 100mm, anche se si possono trovare obiettivi macro anche con focali inferiori.

L’obiettivo macro non dovrebbe essere confuso con lo zoom macro, poiché spesso chi è all’inizio si ritrova ad acquistare obiettivi contrassegnati da questa sigla, che in seguito si riveleranno di scarsa utilità.

Lo zoom macro, cosiddetto, è un semplice zoom, ossia un dispositivo che “ingrandisce” l’immagine riducendo contemporaneamente la distanza della messa a fuoco ma non arrivano praticamente mai ad un rapporto 1:1.

Questi obiettivi non godono della qualità degli obiettivi macro “veri”, cioè quella di essere costruiti per fornire una nitidezza elevatissima e distanze molto ridotte.

Uno zoom rimane comunque un obiettivo generico, niente di straordinario. Per non sbagliare quando ti rechi a fare un acquisto specifica sempre che hai bisogno di un obiettivo macro e non di uno zoom.

LA SLITTA MICROMETRICA

Si tratta di un semplice dispositivo dotato di scala millimetrata (da cui il nome) che consente una messa a fuoco di precisione, una sorta di estrema espressione della nitidezza.

L’uso della slitta è legato alla passione per la macro fotografia e di solito non è tra i primi acquisti di un neofita.

La slitta micrometrica va montata su un cavalletto (questo giustifica la necessità di possedere un treppiede di qualità).

LE LENTI CLOSE-UP PER LA FOTOGRAFIA MACRO

Anche se il loro nome è cosi altisonante, le lenti close-up sono delle normalissime lenti costruite con lo scopo di fare macrofotografia.

Si avvitano sulle ghiere circolari poste sulla parte anteriore degli obiettivi (come accade per i filtri). Queste lenti, visto il loro costo, sono generalmente da scegliersi al posto degli obiettivi allorquando questi ultimi non riesci ad acquistarli per indisponibilità finanziaria.

Alcune di queste lenti possono essere acquistate online anche con 50–70 euro e se usate con sapienza offrono buoni risultati.

Il loro uso condiziona lo scatto, infatti diminuiscono di uno stop la luce e per tale ragione occorre rivedere i tempi di esposizione che usi di solito.

I contorni di queste lenti sono spesso morbidi e causano una perdita di qualità generale dell’immagine. Ti consiglio queste lenti solo quando non hai altre soluzioni supportate da un buon portafoglio.

IL TUBO DI PROLUNGA

Puoi vedere un tubo di prolunga all’opera sulle fotocamere della maggior parte di chi fa macro fotografia.

Questi tubi estendono la distanza tra il corpo macchina e l’obiettivo avendo come conseguenza la riduzione della distanza minima di messa a fuoco ed ingrandimento dell’immagine proiettata sul sensore.

Questi tubi di prolunga non causano perdita di qualità nell’immagine come avviene per le lenti close-up, in quanto non contengono “lenti”. Quando si usano i tubi di prolunga è meglio avvalersi anche dell’uso del treppiede.

Vai ai Tubi di Prolunga su Amazon (Clicca qui).

PANNELLO RIFLETTENTE IN MACROFOTOGRAFIA

Questo accessorio ti può tornare utile anche in altre occasioni non legate alla fotografia macro!

Cosa c’è di meglio che la luce naturale per illuminare la natura stessa?

Ben lo sanno i fotografi del macro, l’uso del flash è poco consigliato, anzi io ti sconsiglio di iniziare un percorso macro utilizzando il flash come corpo illuminante.

Il pannello riflettente (o diffusore) è da preferirsi prima di tutto perché non incide sul contesto ambientale, lasciando in linea di massima intatte le caratteristiche luminose dell’ambiente e fornendo una luce neutra.

In secondo luogo perché, rispetto al flash, non agisce da deterrente su piccoli animali o piccoli insetti.

A questo link puoi trovare una sarei di pannelli riflettenti/diffusori che uso e ti consiglio: Lastolite TriGrip

USO ED IMPOSTAZIONE DELLA FOTOCAMERA

Non c’è una regola ben precisa sull’impostazione della fotocamera. Dipende da molti (troppi) fattori dati dal tipo di obiettivo, se usi una lente close-up o un tubo di prolunga ecc…

La maggior parte delle immagini viene scattata cercando di non uscire mai fuori dalla corretta profondità di campo.

Anche in questo caso, come per molti altri stili fotografici, la tecnica e la creatività non vanno sempre d’accordo.

MACROFOTOGRAFIA E DIFFRAZIONE

Per darti un’idea di come usare la macchina fotografica nella macrofotografia ti farò alcuni esempi pratici:

Considera la macro fotografia come portatrice di handicap dovuto alla ridotta profondità di campo e come conseguenza, in linea di massima, il diaframma dovrebbe essere di solito molto chiuso.

Con un’apertura di f/16 si potrebbe già tenere sotto controllo il fuoco sul soggetto. Qualcuno potrebbe obiettare che si cade nella diffrazione (perdita di qualità nell’immagine quando si chiude troppo il diaframma), ma nella realtà non esiste una regola universale sulla diffrazione.

Nemmeno il deterioramento per diffrazione dell’immagine è così repentino come puoi immaginare, pertanto ogni accoppiata ottica-sensore potrebbe reagire in modo diverso sul risultato finale.

Per questo motivo prima di trarre conclusioni affrettate dovresti testare quali sono i limiti fino ai quali puoi spingerti nelle chiusura del diaframma.

ACCETTA L’IMPREVEDIBILITÀ

Tempi lunghi e un po’ di apertura del diaframma potrebbero rivelarsi creativamente utili per ottenere immagini imprevedibili e di forte carica suggestiva, prova a sperimentare le diverse aperture.

Uno dei vantaggi della macrofotografia è di godere facilmente di uno sfondo costantemente sfuocato in modo omogeneo con il resto dell’immagine. Prova a scattare da diverse angolazioni piccoli oggetti; accertati di avere lo sfondo relativamente distante dal soggetto, otterrai delle perfette combinazioni di nitidezza/sfuocato, non raggiungibile in condizioni standard.

Esprimi maggiore creatività utilizzando le diverse fonti luminose, prova la differenza tra luci frontali e luci laterali, esplorando in modo lineare la saturazione dei colori e l’enfasi dei dettagli in un caso e nell’altro.

Le buone regole di composizione della fotografia macro vedono un solo soggetto principale che non sia in contrasto o in competizione con altri elementi dell’immagine.

Non concentrarti solo sulla regola dei terzi, esplora le possibilità di collocare il soggetto principale nel centro dell’immagine.

Se proprio vuoi usare la luce flash, utilizzane una ad anello (chiamati “ring”), oppure usa i flash montati direttamente sull’obiettivo; scatta con tempi rapidi (che nella macrofotografia sono essenziali) e con il diaframma abbondantemente chiuso.

I MOMENTI MIGLIORI PER SCATTARE

Senza alcun dubbio il momento migliore per scattare immagini macro è la mattina, meglio se alle prime luci, poiché le condizioni luminose prodotte sono in assoluto quelle più morbide e meglio distribuite.

Come l’alba anche il tramonto può garantire riprese fotografiche macro realmente spettacolari.

Sarebbe opportuno evitare la radiazione solare diretta, difficile a volte da controllare e che facilmente si presta a bruciare le alte luci.

Le luci mattutine procurano una gran soddisfazione agli appassionati della macro fotografia di insetti o piccoli rettili, infatti, questi esseri la mattina presto sono intorpiditi e la loro spinta metabolica è debole. È la luce del sole a scaldarli e renderli vivaci.

Le condizioni dell’alba e del tramonto sono anche favorevoli per gli scatti a piante e fiori, la temperatura colore, tra l’altro, può agire come stimolante cromatico su determinate specie ed i risultati sono suggestivi e sorprendenti.

FOTO MACRO o CLOSE-UP?

C’è spesso confusione sul significato ed un uso del termine MACRO e ad alimentare questa confusione ci si mettono anche i produttori di ottiche spesso ne fanno un uso improprio per rendere i loro prodotti più appetibili.

Nella realtà il termine macro ha per convenzione un significato ben preciso e sta ad indicare la situazione in cui le dimensioni del soggetto/oggetto fotografato viene proiettato sul sensore alle stesse dimensioni reali.

Per fare un esempio si parla di macro quando fotografi un oggetto largo 1 centimetro e questo viene proiettato sul sensore alle dimensioni esatte di 1 centimetro: questo è detto anche RAPPORTO 1:1.

Devi stare attento perché in molti casi, specie gli obiettivi zoom, vengono dichiarati come idonei a fare macrofotografie anche se non lo sono nel senso corretto del termine, ovvero non raggiungono il rapporto 1:1.

In questo caso sarebbe corretto parlare di CLOSE-UP, ovvero foto di particolari ingranditi moltissimo, ma non a sufficienza tale da raggiungere i requisiti per essere definita MACRO.

Questo “contesto fotografico” può essere visto come un tecnicismo, ma di fatto solo quando raggiungi questi requisiti (rapporto 1:1) puoi dire di aver realizzato una macrofotografia nel senso corretto del termine.

Va anche detto che nella realtà ben poche foto che vedi nel web, siti e blog indicate come “macro” raggiungono il rapporto 1:1.

La maggioranza sono foto CLOSE-UP, ma non farne un dramma o essere troppo pignolo (o pignola)!

Per consuetudine vengono comunque accettate come tali perché in fondo quello che conta è la bellezza della foto!

ARTICOLI AGGIUNTIVI

Ecco un’altra serie di articoli sul tema che ho realizzato: